jueves, 9 de abril de 2020

NUESTROS CUERPOS EN CUARENTENA


AUSENCIA DE PIEL
PH: Leticia Fernández Fontecha
Cada día nuestro cuerpo está en contacto con otros cuerpos. Desde el momento que nos despertamos hasta que nos dormimos el cuerpo recibe estímulos, sensaciones, percibe olores, temperaturas, sabores, texturas, en una mezcla de información que viene de otros cuerpos.
La primera experiencia del yo es corporal, nos dice Freud, el gran padre del psicoanálisis. Ese cuerpo que somos también se va construyendo como un todo organizado en el vínculo con un otro que necesariamente tiene que estar ahí para que el ser humano sobreviva. Si la experiencia sucede sin mayores traumas que los del propio desarrollo, será ese otro quien con sus manos y su propio cuerpo, irá tocando, uniendo, generando sensaciones de totalidad y ayudando a crear el mundo en el que vivimos.
El contacto físico con los demás, el movimiento y la expresión del cuerpo, son lo que nos hacen vivenciar la vida como una experiencia deseada. Podríamos pensar incluso que son lo que nos hace humanos. Sin la percepción de ese cuerpo y la imagen que introyecta, no hay percepción de un ser en el mundo, de estar y habitar esa compleja realidad que compartimos.
En este período obligado de cuarentena, donde un nuevo virus acecha, el contacto entre los cuerpos se ve limitado. El sentir de las pieles, los músculos, las respiraciones, el registro de la temperatura, los olores, los sabores, el peso, los apoyos, el movimiento, el sonido, el pulso. Lo que se percibe en el contacto físico entre las personas cuando circulamos por los diferentes espacios de nuestra cotidianeidad se ve repentinamente interrumpido, puesto en pausa, detenido. Se acabaron los cruces en la calle, en el subte, en el colectivo, compartir el espacio público, las plazas, los parques. Tenemos que salir lo mínimo e indispensable, cubrirnos la cara, mantenernos separados de los otros cuerpos, limitarnos a miradas fugaces y charlas en la distancia.  
¿Qué nos pasa entonces cuando no podemos tocarnos, cuando nuestros cuerpos tienen que permanecer aislados, distantes, lejos de este necesario intercambio?  ¿Qué pasa cuando no es posible el encuentro en vivo, no hay apretones de manos, besos, abrazos?  ¿Qué nos sucede internamente cuando no somos tocados, besados, estimulados desde estas múltiples sensaciones que se producen en contacto con los demás? ¿Y cómo afecta esto en nuestro psiquismo? ¿Habrá alguna memoria corporal de aquellos cuerpos constituyentes y alojadores, existirá una forma posible de dar corporeidad a la ausencia?
Estamos en un momento de pausa, tal vez de replanteamiento humano, frente a la posibilidad de repensarnos en nuestras prácticas, en las formas de vivir y organizarnos.
La naturaleza dijo basta. Basta de extraer sin medida ni cuidado, basta del egoísmo consumista de un sistema individualista que solo piensa en apoderarse de todo sin mirar al de al lado, a los demás seres vivos que habitan el planeta. Basta de depredar.  
Quizás también pueda ser un momento para observar cómo este aislamiento obligado por la pandemia nos pone frente a nuestras formas de habitar el mundo,  de percibir nuestra corporalidad, los deseos que surgen del cuerpo presente, sintiente, deseante, del cuerpo que añora y necesita de la relación con los demás para subsistir. Con los animales, que ahora salen a ocupar los espacios que dejamos, con el medio ambiente entero, que ahora respira un poco aliviado. Los demás son ese vínculo que llega de la mano solidaria que alimenta, cura, aloja, abraza. Las manos de los otros, las manos de la red hecha de todos los cuerpos que somos.
¿Estamos frente a un cambio de paradigma?


lunes, 24 de febrero de 2020

WATT


Un watt es una unidad de potencia, la medición de energía que se despliega en el trabajo físico. El watt tiene su equivalente en el esfuerzo de mover un kilogramo, un metro en un segundo. De esta manera, el título pone en juego la fuerza muscular y la cantidad de energía que utiliza el cuerpo cuando se pone en movimiento.
En escena, unos focos cargados de potencia apuntándole a las butacas, unes bailarines, un dj. Suficiente para generar un ambiente bailable.
Les intérpretes puntúan el ritmo aeróbico que inspira la música, con una coreo bien marcada, que explota. Bailan con zapatillas o descalzos y se les ve disfrutar el hecho de compartir juntes una danza al compás. A veces se miran en la pista, se observan unes a otres, sonríen.
En Watt parece superado el conflicto histórico en el que la danza contemporánea, en su búsqueda de autonomía, intenta despegarse de la referencialidad o sometimiento a la música. Acá se produce un juego entre el ritmo de la música y los movimientos corporales en el que se acentúa marcadamente el pulso. En la obra hay un diálogo entre el cuerpo y los cortes de la música donde no se puede distinguir quien propone primero, porque las pausas o el fade out están simultáneamente en el sonido y en los movimientos.
Hay luces potentes que enceguecen o dibujan sombras, hay bolas de espejos, hay show, pero el espectáculo está armado sin esconder artificios. Les bailarines descansan, toman agua, se ríen, improvisan y comparten el estilo de baile de cada une por turnos, donde cada une se expresa y desarrolla su solo, su individualidad. Todes juegan cómplices con la danza propia y ajena.
Watt vuelve más de una década después de su estreno inicial para continuar con la misma idea del disfrute por la música, el movimiento y el espacio: de lo que se trata es de compartir el placer de bailar.
Y el que quiera sumarse, invitade está.

Qué: Watt
Quién: Intérpretes: Emilia Claudeville, Leticia Mazur, Florencia Vecino, Gianluca Zonzini.- Creación: Paulino Estela, Leticia Mazur, Inés Rampoldi.- Diseño de vestuario: Emiliano Blanco, Camila Milessi.-Diseño de luces: Ezequiel Gómez, Matías Sendón.- DJ: Eduardo Ferrer.- Fotografía: Carlos Furman.- Diseño gráfico: Pablo Bordenabe.- Asistencia de dirección: Ángeles Yazlle García.- Producción: Carolina Castro.- Dirección: Leticia Mazur, Inés Rampoldi.-
Dónde: TEATRO PICADERO Pasaje Santos Discépolo 1857 Teléfono: 5199 5793
Web: http://www.teatropicadero.com.ar/
Cuándo: Viernes 22.30.- Hasta el 13 de marzo!!

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sábado, 9 de noviembre de 2019

COPIA/ORIGINAL

Cuál es el origen es una pregunta metafísica difícil de contestar. Es conocida la frase que se interroga sobre la existencia previa de la gallina o el huevo. Porque, ¿cuál está primero?
Si el aprendizaje del mundo pasa por el cuerpo y la imitación es una de las formas de incorporar conocimiento, ¿qué aporta saber qué estaba antes o de quién fue la idea? Por ejemplo, ¿de quién son los movimientos que hago, de quién los pensamientos que tengo? ¿Hasta dónde los deseos de une son totalmente propios?
Desde estas preguntas y muchas otras, nos lanzamos a intentar cronicar esta experiencia de Copia/original.
En escena, todo funciona en esa oposición donde no encontramos la respuesta definitiva, como si se tratara de una multiplicación en espejo al infinito y no pudiéramos dilucidar qué refleja a qué.
Así vemos a dos chicas, que parecen iguales, danzar una coreografía que luego es proyectada. Resulta que tampoco les pertenece a ninguna de las dos. Es una pieza antigua de la bailarina estadounidense Trisha Brown. Movimientos hilvanados por una, repetidos por otra, y de esa manera, presentes en la escena, vivos nuevamente, renacidos para ser apreciados otra vez.
La sobrevaloración de lo nuevo o lo original pone en tensión tanto los modelos de consumo donde lo que importa es hacer, como los derechos de autor, donde el arte se transforma en una mercancía cuyo dueño es quien tiene la ventaja de llevarse la gran tajada de la torta.
Copiar, también es una forma de permanecer. “Las ideas son como el pasto, buscan la luz”. Y en esa búsqueda, pueden ser muchas las briznas de hierba que le den forma, pueden dibujarse de maneras diversa, pueden multiplicarse rizomáticamente como el pasto mismo.
Beber de distintas fuentes permite también el punto de partida para el desarrollo de conceptos diferentes. Así se estudia y se transmite el conocimiento en las universidades del mundo.

En la escena, estas ramas por las que se va el pensamiento tienen su raíz en la ubicación del público, en las proyecciones que nos traen otra temporalidad a convivir con el presente, en el juego de sombras que también nos recuerdan que están allí como reflejo de otra cosa, en el baile oscilante entre lo propio y lo ajeno. Aunque ¿qué sería lo “propio”, qué sería lo “ajeno”?
Copia/original, es una pieza única, distintiva, hecha de mixtura ajena, que reflexiona escénicamente sobre sí misma y cuya mezcla, la vuelve original.

Qué: Copia/original. La muerte del autor o el éxtasis de la influencias
Quién: Dramaturgia: Juan Gabriel Arias, Fagner Pavan.- Intérpretes: Ines Armas, Laura Peña, Gabriel Urbani.- Vestuario: Melina Cymlich.- Iluminación: Adrián Cintioli.- Video: Cristian Zapata.- Asistencia Técnica De Movimiento: Carolina García Ugrin.- Asistencia de dirección: Juan Arias.- Dirección: Colectivo Dominio Público, Fagner Pavan.-
Cuándo: Sábado - 21:00 hs – y Domingo - 20:00 hs - Del 04/05/2024 al 26/05/2024
Dónde: GALPÓN F.A.C.E. (FACE) Dean Funes 2142   https://www.faceproyecto.ar/ 

lunes, 4 de noviembre de 2019

ABRAZO AL TIGRE

¿Cómo crear desde la improvisación en el movimiento sin que la mente prevea ni planifique los pasos a dar?¿Cómo esquivar la forma y al mismo tiempo construirla para la mirada del otre? ¿Cómo darle lugar a la pulsión cuando lo simbólico se presenta encaotizado?  Abrazo al tigre puede provocar tanto preguntas como sensaciones. Desde lo planteado por la performer, en los textos que presentan su solo, hasta la danza que despliega en escena, el conjunto invita a soltar las amarras de los propios pensamientos para recibir impresiones, impulsos y sentires que intentarán reordenarse luego.
La danza comienza, ella está en la escena. En quietud o moviéndose. Todo el cuerpo está presente alternando equilibrios, desequilibrios, temblores, formas aplomadas o más arriesgadas. Su rostro expresa inquietud, calma, alegría, seriedad, alternadas sin motivos aparentes. Se mueve y congela pausando gestos.
De la misma manera, la música es algo que está allí aunque también podría no estar, no hay una supeditación a una partitura sonora. Pareciera existir un patrón interno, desconocido, quizás incluso flexible. Como también se podría pensar que cada movimiento va surgiendo espontáneamente en ese devenir. Movimientos que dan cuenta de una corporalidad, una estructura que articula sus huesos y su musculatura, que emplea la fuerza o la libera, que resiste o cede.
Así sucede la danza entre lo mismo, lo parecido, lo casi distinto y lo distinto, que atraviesa el espacio como un loop o una reminiscencia de algo que fue, que pasó o se evocó. De esta manera surgen los mundos que construye el gesto en el empleo del tiempo, entre lo azaroso y lo planificado.
En la abstracción simbólica del despliegue de una danza, es el espectador quien colabora en el sentido. Quizás aterrizando en su propia corporalidad, percibiendo impulsos, sintiendo los movimientos rebotar en su cuerpo, o simplemente pensando sobre la danza y el mundo.
Pero siempre con una pregunta abierta, como una historia que se narra une a sí misme.

Qué: Abrazo al tigre
Quién: Idea, dirección e interpretación: Lucía Fernández Mouján.- Asistencia de dirección: Laura Monge y Natalia Tencer.-| Diseño de Luces: Omar Possemato.-| Dirección músical: Agustín Flores Muñoz.- Músicos/a: Majo Valerio, Juan Ignacio Ferreras, Martín Waisbrot.-  Técnico de sonido y grabación: Martín Waisbrot.-  Vestuario: Silvina Bolognini.- Fotografía: María Zorzón.-




miércoles, 9 de octubre de 2019

DA DA DANZA



El pasado domingo 6 de octubre se realizó la tercera edición de Da Da Danza en el Konex, un festival que nuclea algunas de las propuestas independientes de la ciudad y que este año tuvo lugar en una sola jornada.
La curaduría estuvo en manos de Catalina Lescano, quien contó con apenas dos meses para hacerse cargo de la selección de propuestas. Su mirada se focalizó en aprovechar las dimensiones espaciales de la arquitectura del Konex y por eso las obras invitaron a recorrerlas.
Catalina nos contó que le interesó poner el foco en programar “obras que tuvieran en potencia un encuentro singular con la arquitectura del Konex por fuera de las salas tradicionales”, idea que se unió a la posibilidad de llamar a elencos numerosos.
“Me parece fundamental celebrar, apoyar y difundir trabajos de corógrafxs que se animen en este contexto a crear en multitud, enfrentando no sólo en términos económicos ese desafío sino también en términos de organización de agenda. Llevar adelante un proyecto entre más de 10 o 15 personas es desde mi punto de vista un acontecimiento que roza lo revolucionario, cuando lo que implica es poner el cuerpo para hacer una obra por hacer la obra en sí,” dice Catalina, quien para esta edición pensó una programación representativa de las producciones independientes de artistas creadores que se manifiestan desde la danza en el cruce con otros lenguajes y disciplinas: teatro, artes visuales, cine, artes sonoras, circo, deporte, etc. 
Cintia Dattoli, directora de “Les Idiots… O la Fragilidad del Consenso”, que participó por primera vez en el Festival, siente que la experiencia es un acto de celebración donde se encuentran muchos colegas en un ambiente que cuenta con buena producción en un momento donde es difícil producir obras. 
“El contexto socioeconómico para el arte es difícil en este momento. Nunca están dadas las condiciones de producción que hagan justicia a la cantidad de trabajo y energía invertida”. Por eso insiste en rescatar estos espacios como el Konex que pone toda su plataforma a disposición de muchos artistas para mostrar y difundir sus obras, para ver materiales diversos, muy buena calidad artística, con entradas a precios muy accesibles.
En una época donde las condiciones de producción son hostiles, la danza, como ella afirma, es una actividad que se sostiene en la convicción profunda de que el arte tiene herramientas efectivas e inspiradoras de muchas otras actividades y procesos. “Me refiero a que las asociaciones de ideas, la empatía que se despierta viendo una pieza, incluso las reflexiones más profundas que puede inspirar ver obra, son mensajes o formas de comunicación que no solo autonomizan y profundizan la mirada crítica del mundo (la de cada uno de los espectadores), sino que la estimulan de forma casi lateral. Y pienso que ahí reside la potencia del arte, en que uno cree que va al teatro a distenderse y lo logra, pero además tiene la oportunidad de hacer un cambio personal en la mirada del mundo, a través de esa práctica”, agrega.
Que el encuentro del domingo haya dejado su semilla en los espectadores que la disfrutaron.

Qué: Da Da Danza
Quién: Les Idiots… O la fragilidad del consenso (Idea y dirección: Cintia Dattoli)
Categoría Mosquitos (Dirección: Andrés Molina)
Otra línea Dirección, composición e interpretación (Iván Haidar)
Maratón de performance (Un tiro/No envejeceremos juntxs/I /Tampoco)
Dónde: Ciudad Cultural Konex - Sarmiento 3131
Cuándo: Domingo 6 de octubre desde las 17 hs.



miércoles, 2 de octubre de 2019

DA DA DANZA



                                        
DA DA DANZA
Tercera edición
 Una jornada con más de 50 artistas en escena
Domingo 6 de octubre desde las 17 hs.
Entradas anticipadas: $250. Día de función: $300.
Combo para dos funciones: anticipado: $400. Día de función: $450.

Ciudad Cultural Konex - Sarmiento 3131
Ciudad Cultural Konex presenta la tercera edición de Da Da Danza,  una  jornada que convoca a reconocidos artistas a emplazar sus obras en los diferentes espacios que ofrece su singular arquitectura.
El domingo 6 de octubre, el público podrá acceder a un panorama de obras actuales con diferentes búsquedas y cruces interdisciplinares: la danza y la performance se cruzarán con el deporte, el teatro, el circo, el cine, el video y la música en un evento en el que participarán más de cincuenta artistas. Los trabajos de Cintia Dattoli, Andrés Molina, Ivan Haidar, Bárbara Alonso, Domenique Melhem, Ana Gurbanov, Lucas Cánepa, Rodolfo Opazo y José Andino Menéndez invitarán a los espectadores a habitar y recorrer el Konex a través de la danza. Curaduría: Catalina Lescano.
Las entradas para cada espectáculo y los combos válidos para dos funciones se venden a través de cckonex.org y en la boletería del Konex, Sarmiento 3131.
Les Idiots… O la fragilidad del consenso
Idea y dirección: Cintia Dattoli.
17 hs — Patio.

“En la Edad de Piedra, por ejemplo, todos los idiotas se morían.
Pero hoy en día no tiene porqué ser así. Ser idiota es un lujo,
pero también es un paso adelante. Los idiotas son la gente del futuro”.

Lars Von Trier.
Les Idiots … O la fragilidad del consenso, es una obra que se apoya en procedimientos formales de improvisación para convocar a la versión más idiota de cada intérprete. Para que juntos, estos siete idiotas intenten construir consensos para comunicarse, poniendo a prueba el consenso, su idiota personal y el movimiento, que tensiona constantemente entre ser una danza abstracta y un signo consentido.
Categoría Mosquitos
Dirección: Andrés Molina
18 hs. — Patio
Una experiencia escénica que atraviesa el deporte, el teatro y la danza. Una prueba física que lleva al límite la resistencia del cuerpo. En esta propuesta el espectador queda sumergido en un partido que se vive con la pasión de una final. Cada deportista, cada gota de transpiración, cada músculo, se funde en un rito colectivo en el que movimiento, luz y sonido se convierten en un juego con sus propias reglas. Este partido exige ser el jugador exacto, en el lugar exacto, en el tiempo exacto.
Esta obra cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes y del Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza no Oficial del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires - Prodanza.

Otra línea
Dirección, composición e interpretación: Iván Haidar
19 hs. — Antesala

Iván Haidar se duplica. Su yo real se mezcla con su versión virtual de manera tal que, ambos acaban por confundirse de cual mundo es que provienen. Este diálogo con uno mismo, es una búsqueda constante de alternativas para estar en relación con todo lo que hay, cuando se está solo. “Solo retroactivamente pude entender que en mi dificultad para aceptar la soledad como alternativa, intenté responder a ese problema duplicándome, quería ser el el testigo de mi propio crimen”.
Esta obra fue realizada mediante el apoyo del Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza no Oficial del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires - Prodanza y el Programa de residencias de Iberescena. Ha ganado el Festival Regional y provincial de Buenos Aires 2019, organizado por el CPTI. Fue parte del Festival Nido en Rivera, Montevideo, Des/ocupacâo en Lisboa y el Festival Citemos en Coimbra. Participará de la próxima Fiesta Nacional del Teatro Independiente.
Maratón de performance
20 hs. - Sala de las Columnas
Maratón de Performance es una plataforma en donde sucede una performance seguida de la otra, al estilo maratón. Esta propuesta fue creada por Bárbara Alonso y Dominique Melhem en marzo del 2017 debido a la urgente necesidad de la existencia de un espacio accesible para el intercambio y manifestación del arte de performance en Buenos Aires. En solo dos años se realizaron nueve ediciones en diferentes espacios entre los que se encuentran el Centro Cultural Efímero y La Confitería. Durante el 2018, la Maratón de Performance fue convocada por Gallery Days/Nights, con la realización de intervenciones performáticas en diversos locales y galerías.
Este evento recibió un subsidio del Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza no Oficial del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Esta décima edición presenta una curaduría realizada para el marco de Da Da Danza en Ciudad Cultural Konex.
 
Performances
Un tiro: Apuntar, arrojar, clavar. El acierto y la falla. La repetición y la insistencia. "Un tiro" indaga en el cruce del movimiento con el aspecto sonoro de la acción. A partir de la práctica circense de lanzamiento de cuchillos y el procesamiento en vivo del sonido se abre un cuerpo en estado de prueba.
 
No envejeceremos juntxs: Obra de danza con música electrónica que se construye en tiempo real. Crónica inquietante de la fragilidad en la afección de los cuerpos. ¡Nos une lo volátil, un néctar emanado y codiciado! El espectador es un testigo activo de paisajes coreográficos e instalaciones de movimiento que propone la grupalidad.
 
I: En I, distintas escalas se articulan de forma heterogénea en un espacio de coexistencia. Las materias en ese espacio, abren un paréntesis contemplativo donde lo misterioso se abre paso, poniendo en relieve aspectos senso-perceptivos que van a formar un sistema de relaciones sutil y tenso.
Dirección: Rodolfo Opazo. Performers: Flor Sánchez - Javier Olivera. Músico: Valentyn Piñeyro. Colaboración artística: Maria Landeta 
 
Tampoco: Movimiento entre cuerpo y cine. Diálogo entre dimensiones. Bio  filmografía en carne viva. Es el resultado entre la experimentación de posibilidades compositivas que ponen en diálogo al cuerpo con material de registro cinematográfico.  Una interacción entre edición, proyección y movimiento-danza de la que surge un docuficción autoreferencial del autor

miércoles, 4 de septiembre de 2019

4MPUS


Estos cuatro movimientos para una sinfonía invitan a entrar en una propuesta múltiple. Dividida en partes, como la composición musical, la puesta escénica es una invitación a un banquete gastronómico y corporal.
La escena muestra una mesa como objeto protagonista, como lugar que nuclea a las personas y que suele ser centro de reunión, centro de la sala o centro de la cocina, del espacio que contiene el fuego del hogar.
Sobre esta mesa, los manjares se preparan para comer, para nutrir, para ser incorporados. Pero la nutrición es un acto que excede a la comida y se cuela entre sentidos que abarcan todo lo que puede alimentarnos como personas.
Se combina en escena el erotismo, la sensualidad, el amor y los aspectos más carnales y cotidianos, en un vínculo que inmediatamente une a los intérpretes en una relación de pareja. Lo hace mediante diferentes formatos como proyecciones de video, música electrónica en vivo, instalación, performance y danza.
Los intérpretes juegan con sus cuerpos en un movimiento donde la sangre y la carne pueden simbolizar tanto la comida que se engulle como el otro a quien se quiere. Porque en el extremo inconsciente del amor, aquello que se ama, aquello que nutre, se desea incorporar.
El hecho de comer y beber se comparte en una fiesta que invita al espectador, partícipe de ese convivio en el que se piensan las relaciones afectivas y humanas.
La música disparada en vivo y los recursos utilizados dinamizan un desarrollo sinfónico que no tiene pausa ni deja pasivo al público, incorporado también en el banquete.
La escena plantea un intercambio activo, la teatralidad es un festejo, la obra –como el amor- es una fiesta.

Qué: 4MPUS
Quién: Dirección e Interpretación: Matthieu Perpoint, Agustina Sario.- Iluminación: Adrian Grimozzi.- Video: Joaquin Wall.- Música: Matthieu Perpoint, Demián Velazco Rochwerger.- Sonido: Federico Spinelli.- Diseño: Leandro Egido.- Comunicación y Prensa: Cecilia Gamboa.- Asesoramiento estético: Fabiana Barreda, Andrea Saltzman.-
Dónde: ESPACIO CALLEJÓN  Humahuaca 3759 Teléfonos: 4862-1167
Cuándo: Viernes - 22:15 hs - 06/09/2019
Este espectáculo forma parte del evento: Festival Callejón